O mais comum é ter em “Ladrões de Bicicleta” (1948) a primeira experiência com o diretor do neorrealismo italiano Vittorio de Sica. Talvez por isso eu tenha deixado um pouco de lado outro dos grandes filmes do cineasta: levei simplesmente 15 anos para assistir “Umberto D.” (1952). E sim, é uma experiência tão ou até mais pungente. Centrado na rotina de um idoso (Carlo Battisti) que tenta a todo custo manter a posse de seu quarto alugado na Roma pós-Segunda Guerra, o longa acompanha Umberto numa jornada praticamente sem saídas possíveis. Assim como em “Ladrões de Bicicleta”, a angústia toma conta por um lado que soa ao mesmo tempo real e assustador. O filme também foge da armadilha de fazer de Umberto um modelo de retidão, o que o torna talvez até demasiadamente humano. Mas, por mais intensa que seja sua situação, é no contato do protagonista com seu cachorrinho Flike e nas tentativas de defendê-lo da própria miséria que o filme, sem ser apelativo, faz nosso coração bater a pedradas. As cenas finais são uma obra-prima à parte.  Disponível no Prime Video. (Leonardo Neiva, repórter)

Em “Tudo Bem”(1978), Arnaldo Jabor mistura influências de Nelson Rodrigues com um surrealismo digno de Lynch pra construir uma tragicomédia absurda totalmente entregue ao caos e escarcéu. A história gira em torno de uma reforma em um apartamento de classe média alta e nas consequentes interações da família com os operários, que servem como pano de fundo para um retrato crítico da desigualdade social no país em plena ditadura militar. É um filme atual, barulhento e muito camp, desde os figurinos até a sonoplastia esquisita e cheia de ruídos, cenas muito teatrais e monólogos surreais. Para representar perfeitamente suas alegorias quase carnavalescas, Jabor reuniu um elenco absurdo, com destaque pra Fernanda Montenegro com um “quê” de deusa grega fazendo a dona de casa delirante, Regina Casé como a típica filha doidinha e alienada e a performance lindíssima de Zezé Motta cantando “Como Nossos Pais”. O filme é uma piração do início ao fim, com quase duas horas de pura confusão e ansiedade, muito engraçado e, principalmente, muito brasileiro. Disponível no Globoplay. (Isabela Durão, editora de arte)

Com dois filhos avançando na infância, achei que já poderia mostrar a eles clássicos de quando eu estava na mesma etapa da vida, filmes dos anos 1980 e 1990. Alguns, ficou provado, envelheceram muito mal e viraram contra-exemplo; outros, seguem incríveis. É o feliz caso de “Feitiço do Tempo” (1993), em que Bill Murray fica preso no Dia da Marmota e passa a tentar todo tipo de loucura para avançar no calendário. Se ele viraria ator cult anos mais tarde em “Encontros e Desencontros” (2003), aqui já mostra genialidade, carisma, rabugice sedutora e dá vontade de rir apenas ao olhar sério e fixamente para alguma direção. O filme traz ainda Andie McDowell com um sorriso que faz qualquer um derreter, além de falar dos bons tempos do jornalismo, ainda que a pauta (esperar a manifestação de uma marmota sobre o fim do inverno) fosse bastante caída. Apple TV e Prime Video. (Isabelle Moreira Lima, editora executiva)

“The Rocky Horror Picture Show” (1975), dirigido por Jim Sharman, é um musical completamente pirado que mistura terror B, sci-fi barato e cabaré glam. A história começa com um casal careta, Brad e Janet, que vai parar no castelo do doutor Frank-N-Furter , um cientista alienígena travestido, exagerado e irresistível, que está criando o “homem perfeito” em laboratório. Daí pra frente é só caos: números musicais grudados na cabeça, coreografias cafonas, figurinos divônicos, muito deboche e libertinagem. Tim Curry brilha como Frank-N-Furter, roubando a cena com cada olhar e cada passo de salto alto, enquanto o resto do elenco é engolido pela loucura do castelo. O filme é uma mistura de festa e manifesto libertário, um clássico cult justamente por ser tão exagerado, divertido e bagunçado. (Luana Silva, estagiária de arte)

Em tempos de busca por fama instantânea, ver ou rever “Fama”(1980) pode ser uma boa pedida. Dirigido por Alan Parker (“Pink Floyd – The Wall” e “Evita”), esse drama musical retrata um grupo de jovens durante quatro anos de estudos em uma renomada escola de artes de Nova York. Das primeiras audições à formatura, acompanhamos suas descobertas, sacrifícios, crises e decepções. Aqui, Nova York é menos glamurosa e idealizada do que costumamos ver no cinema. E conquistar o sucesso exige muito mais do que só talento e dedicação. “Fama” levou o Oscar de Canção Original pela música-tema, além da estatueta de Melhor Trilha Sonora. Também inspirou uma série de TV nos anos seguintes, montagem na Broadway e um esquecível remake em 2009. Além de apresentar retratos tocantes de jovens artistas, o filme elevou Irene Cara (1959-2022) ao posto de ícone da música nos anos 1980 – você com certeza conhece “Flashdance… What a Feeling”, trilha de outro clássico na voz da artista, lançado três anos depois. Dito isso, pegue seu balde de pipoca e prepare-se para vibrar com esse musical, mesmo se você não for fã de musicais. Apple TV e Prime Video. (Amauri Terto, coordenador de mídias sociais)

Rever clássicos do cinema, no cinema, é sensacional. Rever David Lynch restaurado e na tela grande é um prazer absoluto. Com a morte do cineasta, em janeiro de 2025, mostras exibiram clássicos como “Coração Selvagem” (1990). No filme, Sailor (Nicolas Cage), sai da prisão, reencontra sua amada Lula (Laura Dern) e tem de fugir de um matador de aluguel contratado pela sogra (Diane Ladd) — que, na verdade, morre de desejo pelo genro. O resultado são cenas memoráveis, iluminadas por uma luz do deserto americano e cheias de personagens enlouquecidos e bem-vestidos. Destaque para a jaqueta de pele de cobra de Sailor –“representa minha individualidade” e o vestidão azul Klein da sogra. A trilha sonora excepcional já começa unindo metal (Powermad) e jazz (Glenn Miller) em uma briga causada por ciúmes. E tem Love me Tender, do Elvis Presley, como faixa do casal deliciosamente apaixonado e metaleiro. Disponível para aluguel no Prime Video. (Luara Calvi Anic, editora-chefe)

Se a liberdade é azul, a tristeza tem um tom azulado caprichado na tinta. Pelo menos, é o que senti ao assistir esses dias, pela primeira vez, ao filme que dá início à trilogia das cores, do cineasta polonês Krzysztof Kieslowski (1941-1996). O diretor e o roteirista Krzysztof Piesiewicz misturaram a bandeira da França com o lema da Revolução Francesa para apresentar os mistérios da condição humana ao contar histórias de personagens comuns — a partir de uma fotografia nada ordinária. Enfim, resolvi pagar essa dívida cinéfila e comecei do começo, com “A Liberdade É Azul” (1993), e estou até agora com a história de Julie (Juliette Binoche, perfeita, doce e feroz) martelando na cabeça. Depois que o marido e a filha morrem em um acidente de carro, ela decide afastar o passado e levar outra vida — ou apenas sobreviver? —, anônima, sozinha, perdida na multidão parisiense. Mas, claro, não há como se libertar totalmente do que passamos. Os fantasmas sempre voltam, em cores e sons. A ver o que me espera com os próximos, “A Igualdade É Branca” (1994) e “A Fraternidade É Vermelha” (1994). Disponível na MUBI. (Ana Elisa Faria, repórter)